Todo Cine

Que los Transformers esperen su turno. Michael Jackson y Farrah Fawcett tienen la prioridad en este y cualquier otro medio. Ambos fueron íconos de la cultura popular, y aunque no se convirtieron en estrellas de cine, tenían la pasta para llegar a serlo. En el caso de Farrah Fawcett, es inexplicable que no haya repetido su éxito televisivo en la pantalla grande. Uno de sus primeros trabajos fue en Myra Breckinridge (1970), comedia descabellada que perdió mucho dinero y que tenía a Raquel Welch haciendo de transexual. Recién en 1976 obtendría un papel estelar en “Los Ángeles de Charlie”, serie que abandonó tras la primera temporada para tentar suerte en el cine. Salvo su comentada participación en Saturno 3 (1980) de Stanley Donen –haciendo pareja con Kirk Douglas, 31 años mayor que ella- sus otros proyectos fueron olvidables. Aún así pudo recuperarse con la versión cinematográfica de Acorralada (1986), obra que ella misma protagonizó en el teatro. Dirigida por Robert Young, Acorralada (foto de arriba) es la historia de una mujer acechada por un violador, hasta que los papeles se invierten y ella puede decidir la suerte del criminal. Fue el rol más intenso de su carrera y le valió una nominación al Globo de Oro. Ya alcanzados los cincuenta años, Farrah Fawcett se reinventó como actriz secundaria, primero al lado de Robert Duvall en El Apóstol (1997) y luego en El Doctor y las Mujeres (2000) de Robert Altman, como la desequilibrada esposa de Richard Gere. No podemos dejar de mencionar su célebre afiche, inmortalizado en Fiebre de Sábado por la Noche (1977) y luego en Boogie Nights (1997).

Aunque nunca fue actor profesional, Michael Jackson asumió la vida como un escenario. Por eso, su relación con el cine fue mucho más compleja y abarcadora que la de otros cantantes. Su inclinación por el universo infantil quedó demostrada desde su primer rol cinematográfico, nada menos que en The Wiz (1978), la versión afro de "El Mago de Oz" dirigida por Sidney Lumet bajo encargo de la Motown. Diana Ross hacía de Dorothy pero el adolescente Michal Jackson recibió los mejores elogios como el Espantapájaros. De allí en adelante, fueron contadas sus apariciones en la pantalla grande. Aunque se estrenó en las salas comerciales de Europa y América Latina, Moonwalker (1988)  es en realidad un videoclip estirado que repasa la trayectoria del artista e incluye algunas escenas de ficción. Exceptuando un par de cameos irrelevantes, el autor de “Billie Jean” enfocó sus energías en innovadores videoclips –“Black or White” y el célebre “Thriller” fueron dirigidos por John Landis, “Bad” recayó sobre Martin Scorsese- y cortometrajes épicos como Captain EO (1986, foto de arriba) de Francis Ford Coppola -el cortometraje más caro de la historia y atracción exclusiva de Disneyworld-, además de Ghosts (1996), su segundo tributo al cine de monstruos, esta vez en colaboración con Stephen King y el genio del maquillaje Stan Winston. Aunque un biopic es casi ineludible, su extraña personalidad ya fue absorbida por Johnny Depp en Charlie y la Fábrica de Chocolates (2005) -hay un artículo de Roger Ebert al respecto- y por Diego Luna en Mister Lonely (2007), donde Jacko y Marilyn Monroe formaban una triste pareja de imitadores.  

El primer requisito para ser un héroe de Alex Proyas (foto de arriba) es quedar atrapado entre dos mundos: uno “real” perceptible a los sentidos y otro “imaginario” al que se accede a través del conocimiento. Pero saber demasiado, haber visto al otro lado del espejo, es un estigma para sus obsesivos personajes, quienes deben ser dignos de semejante poder. A mitad de camino, estos esfuerzos individuales van cobrando la magnitud de un designio insospechado. Así, el regreso de entre los muertos de Eric Draven en El Cuervo (1994) va más allá de un ajuste de cuentas y se convierte en un acto de fe, en una resurrección motivada por el amor puro y verdadero. No es una película tan personal como las siguientes –ha envejecido prematuramente-, pero El Cuervo prefigura esa obra de arte llamada Ciudad en Tinieblas (1998), alucinante pesadilla que mezcla la tecnología del futuro con los referentes visuales del pasado. A pesar de su ritmo frenético -según David Borwell, ostenta el record de más cortes entre plano y plano- Ciudad en Tinieblas es exquisita en sus detalles técnicos pero también en la caracterización de los personajes, destacando el duelo entre John Murdoch (Rufus Sewell) y Mr. Book (Ian Richardson), el hombre y su suplantador potencial.

La preservación de la identidad es también el tema de Yo Robot (2004), un blockbuster inteligente y satisfactorio. Ambientada en una sociedad de bienestar en la cual los robots son nuestros sirvientes, el filme narra las investigaciones de un detective (Will Smith) alrededor de un crimen ejecutado por un ordenador. Proyas abandonó su talante expresionista y se disfrazó de artesano, pero su acercamiento a la ciencia ficción siguió siendo reflexivo. En realidad, Yo Robot marcó el retorno de Proyas a terreno seguro luego de fracasar con Garage Days (2002), comedia filmada en su Australia natal. No es una mala película –es excéntrica y rockera de corazón- pero definitivamente es anecdótica y poco representativa de su estilo. En todo caso, el nombre de Alex Proyas dejó de sonar por varios años hasta el estreno de Presagio (foto de arriba). En mi opinión esta es una de sus mejores películas, un thriller apocalíptico filmado con un gran manejo del suspenso y una sincera empatía con los personajes. Jonathan Koestler (Nicolas Cage) es un astrónomo que descubre una nota escrita cincuenta años atrás y que predice catástrofes con aterradora exactitud. Su conmoción inicial abre paso a un mayor compromiso con la vida, justo cuando una amenaza nuclear se cierne sobre la Tierra. Proyas recupera su espíritu dark y suma las relaciones humanas a la ecuación, lo que convierte a Presagio en su obra más accesible desde el punto de vista emocional. Es siniestra y difícil quitársela de la cabeza.

La cartelera está a punto de mejorar con los ingresos de Duplicidad -comentada la semana pasada- y Presagio –que será comentada la próxima semana-. Ahora vamos a ocuparnos de tres cintas destinadas al gran público; dos de ellas prometen llenarnos los ojos con tecnología de avanzada y la tercera es un llamado a los pies del espectador. La nueva fantasía de Pixar se titula Up: Una Aventura en las Alturas (foto de arriba) y está protagonizada por un anciano que viaja a Sudamérica en una casa flotante. Es la descripción más sencilla que puedo hacer del argumento pero es evidente la sustancial diferencia entre Up y otras propuestas simplonas que pululan en el cine de animación. Desde la ya lejana Toy Story, el estudio liderado por John Lasseter hace un loable esfuerzo por ampliar las posibilidades del entretenimiento familiar. Up encara temas difíciles como la vejez y la muerte, y lo hace con sensibilidad y prudencia. Junto con Wall-E, Up debe ser la aventura más extraña de Pixar, una comedia absurda con un insólito sentido de fragilidad y aislamiento. Lástima que un pajarraco adicto al chocolate sea tan gravitante y se robe la atención de héroes y villanos. No es lo mejor de Pixar pero vale la pena.

 
Otro impresionante despliegue de efectos visuales es Terminator Salvation, un festín de balas estrellándose contra metales. Es un alivio que el director McG -el mismo de Los Ángeles de Charlie- no haya convertido al bebé de James Cameron en un engendro irreconocible. Además no todo son explosiones: el guión de John D. Brancato y Michael Ferris -los mismos de Terminator 3- está bien elaborado y misteriosamente focalizado en un extraño atrapado entre dos fuegos. En la mejor tradición del género de ciencia ficción, Terminator Salvation reflexiona sobre la condición humana en un futuro plagado de tecnología. No es profunda pero sí es Terminator. Mucho más humilde en inversión y resultados artísticos es Motor y Motivo (foto de arriba), el debut cinematográfico del Grupo 5. Aunque no soy parte de su público objetivo, debo reconocer que tiene argumentos para conquistar la taquilla local. Pese a tener miles de defectos y limitaciones (tranquilos, no es “arte” ni cine clásico), Motor y Motivo es más simpática y honesta que gran parte del cine peruano serio o light. Esto es cultura popular en forma de folletín, la farándula como sublimación de sueños y esperanzas, la camaradería y la unión familiar como valores superiores. Guste o no guste, hay un Bollywood cocinándose en el Perú y los hermanos Yaipén son sus nuevos profetas.

Jason Statham está de vuelta, por quinta vez en los últimos doce meses. Este inagotable héroe de acción es presencia constante en la cartelera, desde Crack hasta El Gran Golpe, pasando por Asesino Solitario y La Carrera de la Muerte. El Bruce Willis de los pobres lleva gente al cine y hay que ser bien tozudo para ignorarlo. Si aún desconoce el motivo de su popularidad, posiblemente no haya visto sus películas. Más que un actor, Statham es un icono de virilidad callejera, un palomilla de barrio que se hizo hombre lidiando con el abuso y la explotación. En sus mejores papeles, Statham siempre está sacándole la vuelta al sistema, ya sea manejando un auto a toda velocidad como en La Carrera de la Muerte o asaltando bancos como en El Gran Golpe. Jason Statham es la brújula moral de la serie B.

Si Guy Ritchie fue su mentor en Juegos, Trampas y Dos Armas Humeantes (1998), su padrino fue Luc Besson, productor y guionista de El Transportador (2002), una cinta de acción bastante efectiva y con sentido del humor. Aquí Jason Statham dio el salto definitivo a protagonista, interpretando al rudo Frank Martin, un ex militar que presta servicios “de transporte” a clientes fuera de la ley. En 2005 llegó una secuela, El Transportador 2, aún más taquillera y exagerada, pero cayendo un poco en la parodia. Aún así, el regreso de Frank Martin a tierras europeas –recordemos que la segunda se desarrolló en EE.UU.- promete deleitar a los fans del cine de acción. Si eres uno de ellos, apunta tus datos personales -nombre completo y número de DNI- y cuéntanos cuál es tu película favorita de Jason Statham. Estamos sorteando 20 entradas dobles para la Avant Premiere de El Transportador 3. La lista de ganadores será publicada el jueves en este mismo espacio.

Avant Primer de El Transportador 3
Lugar: Cinerama El Pacífico (Av. Pardo 121, Miraflores)
Fecha: Sábado 13 de junio.
Hora: 10:45 a.m.

Actualizado

Estos son los ganadores de las entradas dobles para El Transportador 3

Aldo Rald Chavez Carranza.
DNI: 16730463

Miguel Villarreal León
DNI: 40481396

Jaime Sibila Teixeira
DNI: 40502427

Edward Leonardo Arangoitia Frohlich
DNI. 08377834

Clara Luz Guerrero Quiroz
DNI: 07623145

Jorge Luis Carpio Flores
DNI: 07261701

Julio García
DNI: 10729119

Belinda Manyari Pizarro
DNI: 09159759

Romulo Povis Santana
DNI: 20716942

Dany Patriscia Durand Cachay
DNI: 22510269

Charles Manchego Gonzales
DNI: 45742065

Jessica Flor Huamani Sulca
DNI: 43313694

Margot Riquero Paredes
DNI: 44007413

Jacinto Segundo Huamani Sulca
DNI: 44093362

Juan Renatto Cuadros Temoche
DNI: 43150424

Teresa Pilar Mercedes Fernández
DNI: 10286673

Tomas Isidro Vega Guerrero
DNI: 43143759

Alfredo Gregorio Turriate Hinostroza
DNI: 09514885

Elisabet Rut Llange Rios
DNI: 46608696

Nery Ana Maria Cabrera Ventura
DNI: 43529200

Los invitamos a recoger sus entradas en nuestras oficinas (Calle Los Sauces 374 Piso 9 San Isidro) este viernes 12 de 8:30am a 1pm y de 3pm a 6:30pm. Traigan su DNI.

Con pocas semanas de diferencia, se estrenan en junio dos comedias románticas orientadas al público adulto. Algo que cincuenta o cuarenta años atrás era pan de todos los días, hoy nos parece una bocanada de aire fresco en el mundo de Crepúsculo y los Jonas Brothers.

La que ya está en cartelera es Mi Hermano, Yo y Nuestra Novia (foto de arriba), segundo largometraje de Peter Hedges, guionista y director de Pieces of April (llamada en Perú Momentos de Perdón). Pese a la presencia de actores famosos como Steve Carrell y Juliette Binoche, esta es una película pequeña sobre gente común y corriente, donde no hay buenos ni malos sino personas confundidas o equivocadas. Cine de relaciones humanas y de diálogos articulados, terreno prácticamente cedido por Hollywood a los independientes. Dan (Carrell) es un padre viudo que cría a sus hijas con cariño y mano dura, hasta que su imagen de hombre responsable entra en crisis al conocer a Marie (Binoche), la nueva pareja de su hermano (Dane Cook). El amor tiene un efecto peligroso y Dan debe ocultar sus sentimientos por inapropiados. Caerse del techo o torturarse viendo una sesión de aeróbicos, son pinceladas de humor en medio de un drama íntimo y doloroso. Hasta allí pudo ser el retrato honesto y agridulce de un individuo que ha perdido la emoción por la vida y la recupera en el lugar más inadecuado. Pero Peter Hedges no es Billy Wilder y sus buenas intenciones necesitaban un poco de acidez para no convertirse en cuentos de hadas. Steve Carrell tiene madera de actor dramático pero aquí lo convierten en un Ceniciento para los cuarentones.

 

De aspecto más convencional y mainstream, Duplicidad (foto de arriba) es una dignísima representante de la comedia sofisticada. Aunque tenga como telón de fondo el mundo de las corporaciones y el espionaje tecnológico, Duplicidad carece de las pretensiones dramáticas de Michael Clayton, ese buen thriller también escrito y dirigido por Tony Gilroy. Lo que no quiere decir que Duplicidad sea menos envolvente. Aquí son Julia Roberts y Clive Owen los encargados de generar chispas en la pantalla, objetivo que consiguen gracias a que ambos lucen como verdaderas estrellas de cine. A Clive Owen solemos verlo corriendo por su vida, cosa que hace siempre con estilo, pero aquí logra que la comedia parezca fácil. Respecto a Julia Roberts, nunca había lucido tan confidente e intrigante como en este filme. Esta pareja de agentes secretos intentan algo muy difícil: establecer una relación seria a la vez que compiten por una fórmula que podría enriquecer a sus respectivos empleadores. Gilroy ha urdido una trama intrincada con giros inesperados, y ha preferido contarla como un rompecabezas, algo que puede ser atractivo para el espectador pero también desconcertante. No permita que eso se interponga entre usted y la película, que es tan placentera en su artificio como maliciosa en su descripción de la guerra de los negocios y, sobretodo, de la guerra de los sexos. Duplicidad llega a los cines el jueves 18 de junio.